Hoy en dia tenemos una mala idea sobre lo que es "música" porque lo que escuchamos todo el tiempo en la tele y radio no tiene nada que ver con arte. La música popular de hoy es un comercio, producido rapido y barrato con sonidos artificiales y voces digitalmente mejorados, es efectismo sin alma. La verdad es que la música popular de 500 años atraz era más avanzada que la música popular de hoy.

GUÍA DE MÚSICA CLÁSICA
Para los que por primera vez atienden a un concierto de música clásica, deseamos sugerir cómo escuchar nuestra presentación.

Lo primero que para mucha gente es difícil de entender acerca de la música clásica es el hecho de que no tenga una constante presencia de percusión ó batería. Muchos están muy acostumbrados a escuchar música que está siempre acompañada por percusión, y sin ella no saben sentir el ritmo. Por esto nos ayudan algunas obras que tenemos en el repertorio cuales son en base de un baile ó una marcha y contienen percusión, asi para acostumbrarse en etapas hasta finalmente a las obras que no tienen percusión.

La música popular está dirigida al cuerpo, e induce al los oyentes al movimiento mediante una fuerte acentuación en el ritmo. Pero la música clásica es principalmente una música del sentimiento que toca el alma y la mente. Por supuesto que siempre hay excepciones que combinan o solapan los dos tipos de músicas.

Gran parte de la música clásica es instrumental y expresa su mensaje (sentimientos, imágenes, cuentos) usando solamente las armonías, las melodías, el ritmo y las características de ciertos instrumentos. La música popular expresa su mensaje a través del texto del cantante, porque no es capaz de expresionarse solamente con la música instrumental. La mayoria de la música popular es tanto neutral en su expressión músical que los textos y las músicas son intercambiables, qualquier texto puede ser usado con qualquier música, usualmente no hay una conexión expresional entre ellos, pero solamente el ritmo es parecido para el texto. Se puede decir que la posibilidad de la música popular para expresarse es limitado, asi como por ejemplo no conoce las dínamicas (piano, forte) y usualmente es compuesto de una simple homophonía sin cambios de velocidad, harmonicos ó instrumentos.

Mientras que la música clásica (también llamada "arte-música") está motivada por el deseo de los compositores para expresar su sentimiento e intelecto en su estilo personal, y tanto su creación como su interpretación necesitan de un alto nivel en ciertas habilidades, la mayoría de la música popular está motivada por el deseo de hacer dinero y de volverse famoso rápidamente. Por eso la llamamos "música comercial".

La alta velocidad es una característica del siglo actual (tiempo = dinero) y eso favorece la inquieta y rápida música popular que se puede producir fácilmente e instantáneamente. La música clásica va completamente en sentido contrario de la tendencia actual. Instrumentos naturales como la trompeta o el violín, por ejemplo, necesitan años de estudios y una práctica diaria antes de que el músico pueda producir un sonido aceptable y tocar con buena afinación con otros miembros de un grupo.

En una época en que en nuestra vida diaria no existe casi ninguna música que no sea producida por sintetizadores y computadoras, el sonido natural se convierte en un lujo y recibe una nueva importancia. Los sonidos que provienen de instrumentos naturales son diferentes en cada presentación. Ellos dependen de la condición y el humor del músico en ese mismo momento. Los sonidos artificiales de la música popular son neutrales, sin alma – igual como la maquina que los produce. Además, la resonancia de una sala grande enriquece el sonido del instrumento natural y eso hace que el músico reaccione modificando el timbre, la dinámica y los acentos de su instrumento. La música popular artificial o amplificada no tiene esa cualidad.

Escuchar música clásica significa gozar un sonido que es natural y único y que tiene una ricesa de expresiones que la música artificial (popular) no puede tener.

RENACIMIENTO Y BARROCO (1400 – 1760)
La música renacentista y barroca era la música sagrada y de danza popular tocada en la época en que Cartagena de Indias fue fundada. Eran exactamente los tiempos en que los compositores del renacimiento veneciano como Andrea Gabrieli y su sobrino Giovanni Gabrieli tenían una gran influencia en los estilos musicales de Europa. Entre los compositores más famosos de la época final del barroco (alrededor del año 1700) se encuentran Bach, Händel, Telemann y Vivaldi. El renacimiento y el período barroco pueden considerarse como la base de lo que hoy conocemos como orquesta clásica.

A pesar de que la música que estamos tocando tiene alrededor de quinientos años, desde el punto de vista de su nivel compositivo y expresivo, la música del renacimiento es mucho más avanzada que la música popular comercial de hoy. Gran parte de las músicas del renacimiento y del barroco usaban la polifonía y el contrapunto diádico para construir complejas estructuras melódicas y rítmicas, con cada parte escrita generalmente una contra otra, de modo que ningún instrumento domine a los otros, más bien que todos juntos construyan una estructura más avanzada. En comparación, la música popular de hoy (la música latina o el pop) están construidas por una homofonía simple (una voz melódica dominante acompañada por acordes).

Desde la vista de hoy se debe decir que la homofonía llevo la música a la povresa, y no era un avanze como se pensaba en el barroco.

GIOVANNI GABRIELI (ca. 1554 – 1612)
Giovanni Gabrieli trabajó para la Basílica de San Marcos en Venecia, al igual que lo había hecho su tío Andrea. La mayor parte de su trabajo fue música sagrada compuesta para ser tocada específicamente en esta iglesia, que tenía dos galerías de coro enfrentadas, y así creaba sorprendentes efectos espaciales (antiphon). Tenía a su disposición algunos de los mejores músicos de su tiempo: trombonistas, cantantes, violinistas y a él mismo como organista. Gabrieli fue el primero en utilizar grupos de instrumentos y cantantes cuidadosamente seleccionados; tocaba con exactas instrucciones para la instrumentación, y en más de dos grupos. Es probable que Gabrieli haya sido el primero en utilizar por escrito la dinámica (piano, forte).

Texto: Thomas Hürlimann